lunes, 25 de abril de 2016
domingo, 24 de abril de 2016
lunes, 18 de abril de 2016
miércoles, 30 de marzo de 2016
Le théâtre
Le théâtre s'appréhende généralement comme la rencontre de
deux espaces : un espace à code unique ou scriptural (le texte) et un espace
scénique à codes multiples que composent les voix, gestes et costumes des
acteurs, le lieu de la représentation (théâtre antique, élisabéthain, salle à
l'italienne, etc.) soutenu par des éclairages et des décors.
La convergence de l'auteur, de
l'acteur et du spectateur constitue ce qu'on appelle habituellement le théâtre.
Il s'agit donc, pour une part, d'un genre littéraire aisément repérable,
inscrit comme tel dans l'histoire générale de la littérature et, comme elle,
divisible en périodes. Dernière forme de la littérature orale, le théâtre
produit l'acteur, incarnation vivante des personnages imaginés par l'auteur et
médium pour le spectateur. Le rôle de ce dernier se diversifie suivant les genres,
les lieux, le contenu des pièces et l'époque. L'histoire du théâtre, dans sa
volonté de faire apparaître les origines de cette forme spécifique de la
représentation, ne retient pas toujours comme pertinente cette description.
Ainsi, les partisans d'un théâtre se limitant au texte sont nombreux. Auguste
Comte, par exemple, pensant que le théâtre est issu de la littérature (position
classique depuis la Poétique d'Aristote), le considère comme une forme
secondaire et provisoire de la poésie. Pour Stéphane Mallarmé, la multiplicité
des lectures possibles d'une pièce s'oppose au cadre restreint que toute
représentation impose en limitant les virtualités du texte à une vision unique.
À l'inverse, des auteurs comme Antonin Artaud tentent de retrouver l'identité autonome
du théâtre : les mouvements gestuels et la danse seraient les ancêtres du
théâtre.
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Le Théâtre en Grèce
Origine
Comme toutes les
manifestations antiques, le théâtre grec a une forte composante religieuse. Cet
aspect s’explique par son origine. En effet il est né des hymnes (le
dithyrambe) en l’honneur de Dionysos, peu à peu transformés en pièces de
théâtre : un chanteur se détache des autres et leur répond, puis un acteur donne
la réplique au chœur (l’ensemble des chanteurs). Un deuxième acteur puis un
troisième sont introduits par Eschyle puis par Sophocle. De cette origine
religieuse, le théâtre conserve des scènes rituelles (scènes de deuil, de
sacrifice, de supplication) et des chants en l’honneur des dieux. Sur la scène
se trouve un autel dédié à Dionysos, intégré dans la mise en scène et dans
l’action de la pièce. La statue du dieu est transportée au milieu de l’orchestra,
là où évolue le chœur, et elle y reste pendant toute la représentation.
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http://www.clg-st-exupery-andresy.ac-versailles.fr/IMG/pdf/Theatres_Grecs_et_romains_expose.pdfla Tragédie
La définition énoncée par Aristote dans sa
Poétique – postérieure d'un siècle à l'âge d'or de la tragédie grecque – a
laissé son empreinte chez la plupart des auteurs tragiques : « La tragédie est
l'imitation (mimêsis) d'une action de caractère élevé et complète, d'une
certaine étendue, dans un langage relevé d'assaisonnements d'une espèce particulière
suivant les diverses parties, imitation qui est faite par des personnages en
action et non au moyen d'un récit, et qui, suscitant pitié et crainte, opère la
purgation (catharsis) propre à pareilles émotions. »
Aristote, réfléchissant sur la fiction, c'est-à-dire
sur la meilleure manière de raconter des histoires de bonheur et de malheur qui
ressemblent à celles que vivent les hommes, cherche à dégager des pièces de
Sophocle et d'Euripide les principes rationnels d'une œuvre réussie. Dès lors,
il fait de la tragédie le plus codifié de tous les genres littéraires. Ainsi, à
partir de la Renaissance, ces principes deviennent normatifs : les œuvres de
l'Antiquité étant devenues les critères absolus du beau, la Poétique d'Aristote
(complétée par quelques remarques d'Horace concernant le théâtre, dans son Art
poétique) est considérée comme un énoncé des règles dont il est interdit de
s'éloigner.
L'action consiste le plus souvent en un
conflit qui oppose l'homme à des principes moraux ou religieux supérieurs. Ce
conflit est l'occasion d'un dialogue entre l'homme et ce qui le dépasse, comme
avec lui-même. Parfois, le tragique se confond avec des dénouements sanglants
et des sacrifices mortels. Mais la tragédie dit aussi l'espoir de l'homme
debout, qui lance un défi à un monde difficile à déchiffrer ou à une injustice
divine, de l'homme qui se confronte aux lois de la cité et présume parfois de
ses forces. La conception du genre reste à peu près immuable pendant plus de
vingt siècles. Et si, au xviie s., les apports des dramaturges français ont
modifié radicalement l'esthétique de la tragédie, cela n'a pas empêché les
auteurs de se référer sans cesse aux mêmes éléments techniques qui constituent
le genre, ni de considérer que la formule admettait des variations qui, précisément,
ne la remettaient pas en cause.
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martes, 29 de marzo de 2016
La Comédie
La comédie classique La comédie trouve son origine dans l’antiquité grecque puis latine. La notion de comédie a été déterminée par Aristote dans sa Poétique. Ce dernier la juge come un genre « bas », de peu de valeur, par opposition au genre « élevé » qu’est la tragédie. Il faudra attendre le XVIIe siècle est Molière pour que la comédie acquiert ses lettres de noblesse.
Définition : La comédie classique peut aussi bien être en vers qu’en prose. Quant à sa longueur, elle peut comporter de trois à cinq actes. Les différents sujets qu’elle traite se rapportent à la vie quotidienne : mariage, argent, éducation, etc. Elle s’intéresse particulièrement à ce qui fait le quotidien de la bourgeoisie, même si elle met en scène différents milieux sociaux allant de la petite noblesse jusqu’aux paysans en passant par les domestiques. Quel que soit le sujet traité, le dénouement est toujours heureux dans une comédie, dans le sens où elle ne donne pas lieu à la mort. La comédie met en scène des personnages dont elle révèle – d’une manière ou d’une autre - le ridicule
Livre gratuit à télécharger au format PDF:
http://www.academie-en-ligne.fr/ressources/7/fr20/al7fr20tepa0212-sequence-05.pdfhttps://sites.google.com/site/dalozsl/tableau-compare-de-la-tragedie-de-la-comedie-classique-et-du-drame-romantique
lunes, 28 de marzo de 2016
Le Théâtre en Angleterre
Élisabéthain
Si le nom de la « reine vierge », de la
protestante passionnée que fut Élisabeth Ire, a été donné à la période la plus
truculente et la plus violente de l'histoire de la scène anglaise, c'est qu'il
symbolise, comme dans les domaines politique et spirituel, le plein
épanouissement des caractéristiques nationales.
De la représentation de Gorboduc, de Sackville
et Norton, en 1562, à la fermeture des salles de spectacle par le Parlement en
1642, le théâtre anglais – dépassant à la fois la farce médiévale, les
interludes des divertissements royaux et les adaptations universitaires des
tragiques et des comiques latins – a fait preuve, pendant plus de trois quarts
de siècle, d'une vitalité et d'une originalité tout à fait exceptionnelles.
Malgré la méfiance et les condamnations des
puritains, le théâtre unit dans une même passion l'aristocratie de la Cour, la
plèbe des faubourgs, la bourgeoisie marchande. Le théâtre élisabéthain est un
succès commercial et populaire (en 1629, Londres comptera dix-sept théâtres
jouant tous les jours, contre un seul à Paris), animé par des troupes d'acteurs
protégées par de nobles mécènes et suscitant l'imagination et la verve d'une
foule d'auteurs dominés par la stature de Shakespeare, qui semble les résumer
tous.
Dans son exubérance et sa diversité, le
théâtre élisabéthain laisse apparaître quelques lignes de force : stylisation
du décor, imbrication du tragique et du bouffon, prédilection pour la violence
et le thème de la vengeance, angoisse métaphysique dissimulée sous un appétit
forcené de jouissance et de connaissance, mélange de grossièreté verbale et de
raffinement poétique.
Le théâtre élisabéthain rassemble des voix
multiples : délicatesse de Lyly, outrance de Marlowe, sentimentalité de Dekker,
cynisme de Marston, franchise de Jonson, subtilité de Ford, pathétique de
Webster, satire sèche de Middleton, élégance romanesque de Beaumont et
Fletcher, force rhétorique de Massinger, hermétisme poétique de Chapman… Cette
variété, qui est la variété même de la vie, explique que le théâtre
élisabéthain, par-delà une aventure historique et nationale, ait atteint
d'emblée à une vérité humaine et universelle.
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Shakesperare
William Shakespeare naquit à Stratford-on-Avon, dans le fertile Warwickshire, entre le 20 et le 26 avril 1564. Il était le fils d'un notable, alors prospère, qui, en 1568, fut bailli ou maire de la petite ville. Il fit donc d'abord des études tranquilles dans une de ces bonnes « grammar schools » qui dispensaient alors une éducation démocratique. Mais, à partir de 1577, la fortune familiale déclina. On ne sait ce qu'il advint alors du fils, que nous ne retrouvons qu'à la fin de novembre 1582, épousant une femme de huit ans son aînée, Anne Hathaway. Une fille leur naquit en mai 1583. On a pensé que ce n'était pas Shakespeare qui, à dix-huit ans, avait été le séducteur et que la singulière sévérité qu'il manifesta jusqu'au bout, parfois hors de propos . (Prospero dans la Tempête), aux liaisons prématurées pouvait être liée à une rancune personnelle.
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http://www.larousse.fr/encyclopedie/personnage/William_Shakespeare/144080
domingo, 27 de marzo de 2016
Roméo et Juliette - Shakespeare
Roméo et Juliette est une tragédie -romantique de William Robert Shakespeare. Écrite vers le début de sa carrière, elle raconte l'histoire de deux jeunes amants dont la mort réconcilie leurs familles ennemies, les Montaigu et les Capulet.
Télécharger Gratuit
http://www.crdp-strasbourg.fr/je_lis_libre/livres/Shakespeare_RomeoEtJuliette.pdf
Hamlet - Shakspeare
La Tragique Histoire d'Hamlet, prince de Danemark , plus couramment désigné sous le titre abrégé Hamlet, est la plus longue et l'une des plus célèbres pièces de William Shakeaspeare. La date exacte de composition n'est pas connue avec précision ; la première représentation se situe sûrement entre 1548 et 1601. Le texte fut publié en 1603.
Livre gratuit à télécharger au format PDF
http://www.edu.mec.gub.uy/biblioteca_digital/libros/s/Shakespeare%20-%20Hamlet.pdf
Othello- Shekespeare
Othello, le Maure de Venise (Othello, the Moor
of Venice en anglais) est une tragédie de William Shakespeare, jouée pour la
première fois en 1604.
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Moliére
Dramatique de autor français (París 1622-París, 1673).
Acteur, jefe de grupo, autor y metteur en escena, Molière est l'homme de théâtre complet por excelencia. Il joue, en tant qu'auteur, sur toute la gamme des effets comiques, de la Farsa de la plus bouffonne jusqu'à la psychologie la plus élaborée. Ses pièces où, s'attaquant ONU vicio de la ONU de l'esprit ou de la société, il campe des personnages qui Forment des Tipos, sont de véritables chefs-d'œuvre. En Elevant la Comédie, consideraron estadísticamente avant lui comme un mineur género, il a donné ONU impulso vital Importancia au théâtre.
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http://www.larousse.fr/encyclopedie/personnage/Jean-Baptiste_Poquelin_dit_Moli%C3%A8re/133609sábado, 26 de marzo de 2016
Dom Juan - Molière
Le Festin de pierre est une comédie de Molière en cinq actes et en prose dont la « Troupe de Monsieur frère unique de roi» donna quinze représentations triomphales en février et mars 1665 sur le théâtre de la grande salle du Palais Royal à Paris.
Livre gratuit à télécharger au format PDF
http://www.quandletigrelit.fr/images/Moli%C3%A8re-Dom-Juan-ou-le-festin-de-pierre.pdf
Le Tartuffe
Comédie d’abord représentée en trois actes et en vers, représentée à Versailles, le 12 mai 1664, à l’occasion de la somptueuse fête des Plaisirs de l’Ile enchantée, puis sous sa forme définitive, en cinq actes, le 5 février 1669, au terme de ce qu’on a appelé « l’affaire du Tartuffe ».
Pour obtenir plus
http://www.toutmoliere.net/tartuffe.html
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Macbeth- Shakespeare
Macbeth est une tragédie de William Shakespeare. Elle Lugar prend dans l'Écosse médiévale et de retorno de manière très romancée le Regne de Macbeth (1040-1057), en s'inspirant de Pres du récit qu'en fait Raphael Holinshed dans ses Chroniques , parues EN 1587. Devore d'Ambición, Le Général Macbeth commet Le crime de regicidio Vierten s'emparer du pouvoir, POUSSE hijo par épouse señora Macbeth, mais La culpabilité et la paranoia les fuente peu à peu sombrer dans la folie. est Macbeth une tragédie de William Shakespeare. Elle Lugar prend dans l'Écosse médiévale et de retorno de manière très romancée le Regne de Macbeth (1040-1057), en s'inspirant de Pres du récit qu'en fait Raphael Holinshed dans ses Chroniques, parues en 1587. Devore d'Ambición, Le Général Macbeth commet Le crime de regicidio Convertidor s'emparer du pouvoir, POUSSE hijo par épouse señora Macbeth, mais La culpabilité et la paranoia les fuente peu à peu sombrer dans la folie.
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L'Amour Médecin - Molière
L'Amour est une médecin comedia-ballet en trois actes et en prosa écrite par Molière sur une musique de Jean-Baptiste Lully, représentée pour la première fois au Château de Versailles par ordre du Roi le 14 septembre 1665, et donnée en suite à Paris au Théâtre du Palais-Royal le 22 septembre 1665 par la Compañía du Roy. Il s'agit de la première pièce puesta en escena par la Compañía de Molière en tant que troupe du Roy.
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L'Avare - Molière
Cette comédie en Cinq Actes et en prosa de Molière a été écrite en 1668. Créée au Palais-Royal le 9 septembre 1668, la pièce de baño est publiée à Paris. accueillie Médiocrement, elle n'est jouée Que neuf Veces Avant de Ser Retirado. Les spectateurs sont déroutés par les "Ambivalencias esthétiques" et par l'utilizacion de la prosa (ce qui est assez rara vierten pièce UNE EN cinq actes de l'époque ). Il y avait au début de 1669, las Naciones Unidas espoir de remonter L'Avare, mais celui-ci fut balayé par le Triomphe de Tartufo enfin autorisé à être à cette période joué.
L'Avare ONU pourtant été rapidement consideraron estadísticamente comme l'arquetipo de la Comedia de Molière. Le succès de la pièce Fut posthume. Cette pièce a été jouée 2078 Veces a la Comédie française Entre 1680 y 1963. Así es la seconde pièce la plus derrière jouée Tartufo.
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viernes, 25 de marzo de 2016
Pierre Corneille
La situation de Corneille aujourd'hui est paradoxale : un nom illustre, une tragi-comédie extrêmement célèbre (le Cid, 1637), dont quantité de répliques sont connues du grand public, un adjectif (« cornélien ») passé dans l'usage courant contrastent avec une certaine méconnaissance de pans entiers de son œuvre.
Pour obtenir plus
le Cid - Corneille
Le Cid est une pièce du théâtre tragie-comedie en vers (alexadrinsessentiellement) de Corneille dont la première représentation eut lieu le 7 janvier 1637 au théâtre du Marais.
Selon une tradition peu convaincante rapportée par l'historien du théâtre Phière François Godard de beauchamps, un conseiller à la Cour des Comtes de Rouen, Rodrigue de Chalon, issu d'une famille espagnole, aurait initié Corneille à la langue et la littérature espagnoles et lui aurait suggéré la lecture d'une pièce de théâtre de Guillen de Castro Las Mocedades del Cid (Les Enfances du Cid) parue en 1631 et qui aurait inspiré le dramaturge français. L'influence de Rodrigue de Chalon est incertaine mais il est attesté que Le Cid s'inspire fortement de la pièce de Guillèn de Castro, au point que Jean Mairet, dans une épître en vers anonyme l’« Auteur du vrai Cid espagnol » écrit à son traducteur français, accuse Corneille de plagiat en mars 1637.
Livre gratuit à télécharger au format PDF
http://data.over-blog-kiwi.com/0/57/30/82/ob_bc6c39_cid-corneille.pdf
jueves, 24 de marzo de 2016
Horace
Horace est une pièce de théâtre tragique de
Pierre Corneille inspirée du combat entre les Horace et les Curiace. Elle fut
jouée pour la première fois en mars 1640.
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http://www.theatre-classique.fr/pages/pdf/CORNEILLEP_HORACE.pdf
Mélite
Mélite, ou les fausses lettres est une comédie
en cinq actes et en vers écrite par Pierre Corneille en 1625 représentée pour
la première fois en décembre 1629 au Jeu de paume de Berthaud par la troupe de
Montdory. Avec cette pièce, Corneille crée un nouveau genre théâtral, la
comédie de mœurs, qui rompt avec la farce grossière et bouffonne en vogue à
l'époque.
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Andromède
Andromède est une pièce de théâtre de Pierre
Corneille, représentée pour la première fois le 13 janvier 1650 à Paris.
C'est une tragédie à machines : un genre très
en vogue au XVIIe siècle, qui consiste en une tragédie comportant beaucoup
d'effets spéciaux faits pour émerveiller et impressionner le spectateur.
La pièce comporte cinq actes et un prologue.
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http://www.theatre-classique.fr/pages/pdf/CORNEILLEP_ANDROMEDE.pdf
La Veuve
La Veuve (ou Le Traître trahi) est la
troisième pièce de Pierre Corneille, c'est une comédie en cinq actes et en vers
écrite en 1632. Elle est publiée en 1634 par François Targa ; le privilège est
du 9 mars, l'achevé d'imprimé est du 13 mars.
Probablement jouée au Théâtre du Marais par la
troupe de Montdory, elle reçut un très bon accueil du public. Cet accueil est
illustré par une série de poèmes laudateurs écrits par des contemporains, et
reproduits dans l'édition de 1634 : parmi les signataires on note Georges de
Scudery, Jean Mairet, Jean Rotrou, Pierre Du Ryer, François le Métel sieur de
Boirobert, Antoine le Metel sieur D'ouville, Jean Claveret, Pierre de Marbeuf.
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Cinna
Cinna (ou la Clémence d’Auguste) est une
tragédie de Pierre Corneille créée au Théâtre du Marais en 1641 et publiée en
1643 chez Toussaint Quinet.
Située à l'époque de la Rome antique, l'action
témoigne de préoccupations plus contemporaines, et développe une méditation sur
la mise au pas de la noblesse sous le règne de Louis XIII et le gouvernement de
Richelieu. Hanté par la question de la grâce, Corneille ne cesse de se demander
comment mettre fin à la spirale de la violence. Sa réponse est une apologie du
pouvoir fort, dont la magnanimité est précisément l'un des attributs.
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Jean Racine
Poète tragique
français (La Ferté-Milon 1639-Paris 1699).
Jean Racine
Rival de
Corneille, de son temps comme dans les esprits du public d'aujourd'hui, Jean
Racine reste le maître de la tragédie classique française. Ses pièces campent,
dans un décor antique, des héros intemporels, victimes sublimes de leurs
passions incontrôlables. Le héros racinien aime quelqu'un qui en aime un autre,
dans une succession terrible à l'issue fatale.
Jeune homme
pauvre qui parvint à la faveur du roi Louis XIV, Racine connut une promotion
sociale considérable. Sa religion, empreinte de la morale austère du jansénisme
de Port-Royal, fut l'autre grande affaire de sa vie.
miércoles, 23 de marzo de 2016
Le Théâtre Racinien
Le théâtre de Racine peint la passion comme
une force fatale qui détruit celui qui en est possédé. On retrouve ici les
théories jansénistes : soit l'homme a reçu la grâce divine, soit il en est
dépourvu, rien ne peut changer son destin, il est condamné dès sa naissance.
Réalisant l'idéal de la tragédie classique, le théâtre racinien présente une
action simple, claire, dont les péripéties naissent de la passion même des personnages.
Les tragédies profanes (c'est-à-dire Esther et
Athalie exclues) présentent un couple de jeunes gens innocents, à la fois unis
et séparés par un amour impossible parce que la femme est dominée par le roi
(Andromaque, Britannicus, Bajazet, Mithridate) ou parce qu'elle appartient à un
clan rival (Aricie dans Phèdre). Cette rivalité se double souvent d'une
rivalité politique, sur laquelle Racine n'insiste guère.
Dans ce cadre aristocratique qui, à partir de
Bajazet, devient un lieu commun prétexte à la naissance d'une crise, les
personnages apprennent que le roi est mort ou vaincu : ils se sentent alors
libres de déchaîner leurs passions. Or, l'information est rapidement démentie.
Le retour du roi met les personnages devant leurs fautes et les pousse, selon
leur nature intérieure, à se repentir ou à aller jusqu'au bout de leur
rébellion.
Les sources d'inspiration Gréco-latines
Le professeur J. Scherer mentionne, dans son
étude sur Bérénice que Racine, afin de fixer le personnage, cite Suétone,
notamment le chapitre VII de sa Vie de Titus. Il établit également qu'il existe
un parallèle entre Virgile et Racine, fondé sur des notions assez
conventionnelles. Jean-Pol Caput, dans sa présentation de Britannicus, note que
Racine a puisé dans les Annales de Tacite (livres XI à XV) non seulement
l'essentiel des faits qui forment la trame de la tragédie, mais encore l'esprit
dans lequel l'historien latin les traite. Racine aurait aussi lu le traité de
Sénèque Sur la clémence et la tragédie du même auteur Octavie qui ont inspiré
certains détails au poète.
Jean Racine lui-même ne dissimule pas ses
sources gréco-latines et les indique ouvertement. En effet, dans sa préface à
Phèdre, Racine écrit : « Voici encore une tragédie dont le sujet est pris dans Euripide.
Quoique j'aie suivi une route un peu différente de celle de cet auteur pour la
conduite de l'action, je n'ai pas laissé d'enrichir ma pièce de tout ce qui m'a
paru plus éclatant dans la sienne. » Racine cite également Sénèque dans sa
préface, ajoutant qu'il a suivi l'histoire de Thésée, telle qu'elle figure dans
Plutarque.
Andromaque
Andromaque est la troisième pièce écrite par Jean Racine et sa première grande tragédie. Elle a été créée le 17 novembre 1667 devant la reine par la troupe de l'Hôtel de Bourgogne.
L'action d'Andromaque se situe après la légendaire guerre de Troie, remportée par les Grecs.
Le Grec Pyrrhus, « le fils d'Achille et le vainqueur de Troie » est tombé amoureux de sa prisonnière Andromaque, la veuve du chef troyen Hector, tué par Achille. Il délaisse Hermione, qu'il doit épouser. Oreste, de son côté, aime d'un amour fou Hermione. Andromaque est partagée entre sa fidélité à la mémoire de son mari et son désir de sauver son fils, également prisonnier. Soumise aux pressions de Pyrrhus, elle finit par accepter de l'épouser, avec le projet secret de se tuer aussitôt.. Hermione, ivre de colère, demande alors à Oreste de lui prouver son amour en assassinant Pyrrhus. Oreste s’exécute, mais Hermione après le meurtre, rejette Oreste et se tue sur le cadavre de Pyrrhus. Oreste sombre alors dans la folie et Andromaque devient reine.
Pour en savoir plus
http://legere.free.fr/andromaque.html
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http://www.ebooksgratuits.com/pdf/racine_andromaque.pdf
martes, 22 de marzo de 2016
Athalie
Athalie est une tragédie de Jean Racine en cinq actes (comportant respectivement 4, 9, 8, 6 et 8 scènes) et en alexandrins.
Après le succès rencontré par Esther, Racine publie Athalie en 1691, une nouvelle pièce à sujet biblique pour les pensionnaires de Saint-Cyr, l'institution dirigée par Madame de Maintenon.
Athalie, veuve du roi de Juda, gouverne le pays et croit avoir éliminé tout le reste de la famille royale. Elle a abandonné la religion juive en faveur du culte de Baal. En fait, son petit-fils Joas a été sauvé par la femme du grand prêtre (voir le texte biblique dans Wikisource et la Préface de Racine).
Contrairement à Esther, Athalie est une vraie tragédie en cinq actes. Les chœurs ne sont présents qu'à la fin de chaque acte. Au lieu d'affaiblir l'action, ils lui donnent une dimension poétique et spirituelle.
Racine atteint avec Athalie la grandeur des tragédies grecques qu'il connaît très bien. Il y joint, dans certains discours de Joas, le souffle des prophètes bibliques. Dieu apparaît sous un jour terrible. Des auteurs modernes comme Roland Barthes dénoncent le caractère fanatique de Joad et son langage très violent, tandis qu'Athalie est plutôt tolérante en matière religieuse[réf. nécessaire.
Athalie fut victime de l'opposition des moralistes lors de sa création. Opposés au théâtre en général, ils s'indignaient qu'on fasse jouer une pièce, même à sujet élevé, par les pensionnaires d'une institution pieuse. Représentée sur les scènes publiques après la mort de Madame de Maintenon, Athalie n'a jamais fait partie des pièces les plus populaires de Racine alors que Voltaire y voyait « peut-être le chef-d'œuvre de l'esprit humain »
La tragédie de Racine a fourni la trame du livret de l'oratorio en anglais Athalia, composé par Georg Friedrich Haendel.
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lunes, 21 de marzo de 2016
Bajazet
Bajazet est une tragédie en cinq actes (comportant respectivement 4, 5, 8, 7 et 12 scènes) et en vers (1749 alexandrins) de Racine créée probablement le 1er janvier 16721 à l'Hôtel de Bourgogne, après Bérénice et avant Mithridate. Le rôle d'Atalide était interprété par Mlle de Champmeslé et celui de Roxane par Mlle d'Ennebaut ; Champmeslé jouait Bajazet, La Fleur Acomat, Hauteroche Osmin, tandis que les deux confidentes, Zatime et Zaïre, étaient incarnées par Mlles Brécourt et Poisson.
Comme Eschyle dans Les Perses, Racine a pris son sujet dans l'histoire contemporaine tout en prenant soin de choisir une civilisation lointaine, l'Empire ottoman. En 1635, le sultan Murad IV (devenu Amurat chez Racine) a fait exécuter ses frères Bajazet (Bayezid) et Orcan, rivaux potentiels. Racine s'inspire de ce fait en centrant l'action sur le personnage de Bajazet. Il développe aussi plusieurs intrigues amoureuses dans le sérail. L'action est particulièrement complexe et ne peut se dénouer que par une succession de meurtres et de suicides.
Le succès initial de la pièce ne s'est pas prolongé. C'est aujourd'hui l'une des pièces les moins jouées de Racine. Le personnage de Bajazet dans l'opéra du même nom de Vivaldi et dans le Tamerlano de Haendel n'est pas le même que le protagoniste de Racine : il s'agit du sultan ottoman Bayezid Ier, un de ses lointains ancêtres.
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Bérénice
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Britannicus
La pièce de Racine, en montrant la force des passions, aborde trois thèmes essentiels : le premier est celui des frères ennemis, opposant droit du sang et droit de la loi (Claude avait reconnu Néron comme fils). Et Claude, jusqu'à sa mort, avait toujours été un bon empereur, respectant la loi. C'est pourquoi Racine décide de montrer Néron la nuit de son premier crime. En tuant Britannicus, l'empereur se débarrasse de l'élément qui empêche à sa toute-puissance tyrannique de s'affirmer.
Le second est l’opposition des passions, entre un amour fait de respect et de tendresse et un amour plus violent et dominateur. Néron fait usage de son pouvoir jusque dans l’intimité puisqu'il fait de Junie une victime qui n'a d'autre choix que de subir son amour. De plus, il éprouve une jouissance sadique à voir souffrir les autres. Néron devra pourtant constater son infériorité face au pouvoir divin, puisqu’il ne pénétrera pas dans l’enclos sacré des vestales, protégé par la loi divine. Enfin, Néron apparaît comme un maître absolu, régnant sur les autres et étant le seul au fait de ses propres actions et intrigues, trouvant peut-être par là une compensation à la tyrannie de son amour duquel il est esclave. En effet, en se débarrassant de sa mère, de son conseiller vertueux (Burrhus) et de son demi-frère Britannicus, ennemi politique et amoureux, il est le maître du destin de tous les personnages, et comparable à un petit dieu terrestre.
Le second est l’opposition des passions, entre un amour fait de respect et de tendresse et un amour plus violent et dominateur. Néron fait usage de son pouvoir jusque dans l’intimité puisqu'il fait de Junie une victime qui n'a d'autre choix que de subir son amour. De plus, il éprouve une jouissance sadique à voir souffrir les autres. Néron devra pourtant constater son infériorité face au pouvoir divin, puisqu’il ne pénétrera pas dans l’enclos sacré des vestales, protégé par la loi divine. Enfin, Néron apparaît comme un maître absolu, régnant sur les autres et étant le seul au fait de ses propres actions et intrigues, trouvant peut-être par là une compensation à la tyrannie de son amour duquel il est esclave. En effet, en se débarrassant de sa mère, de son conseiller vertueux (Burrhus) et de son demi-frère Britannicus, ennemi politique et amoureux, il est le maître du destin de tous les personnages, et comparable à un petit dieu terrestre.
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domingo, 20 de marzo de 2016
Esther
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Iphigénie
phigénie est une tragédie de Jean Racine, en cinq actes (comportant respectivement 5, 8, 7, 11 et 6 scènes) et en vers (1794 alexandrins et 2 octosyllabes1).
Représentée pour la première fois à Versailles le 18 août 1674, Iphigénie marque le retour de Racine à des thèmes mythologiques après une série de sujets historiques (Britannicus, Bérénice, Bajazet, Mithridate). Sur les rivages d'Aulis, les Grecs se préparent à aller attaquer Troie. Mais ils ne peuvent atteindre Troie, car les dieux retiennent les vents nécessaires au départ de l'expédition. Agamemnon, leur chef, est donc contraint de consulter l’oracle Calchas, qui lui ordonne de sacrifier sa fille, Iphigénie, afin d’apaiser la déesse Artémis. Dans le chaos provoqué par les indécisions d'Agamemnon, Iphigénie se soumet aux volontés de son père. Ambition d'Agamemnon, désir de gloire d'Achille, orgueil de Clytemnestre, jalousie d'Ériphile : la pièce donne à voir des passions déchaînées qui, toutes, font d'Iphigénie leur victime.
Comme chez Euripide dans Iphigénie à Aulis, le personnage le plus fort moralement n'est pas Agamemnon, chef pusillanime, mais Iphigénie, qui pousse le respect filial et le patriotisme jusqu'à accepter la mort.
Grand succès lors de ses premières représentations, Iphigénie est rarement représentée aujourd'hui.
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sábado, 19 de marzo de 2016
Alexandre le Grand
Alexandre le Grand est une tragédie en cinq
actes (comportant respectivement 3, 5, 7, 5 et 3 scènes) et en vers (1 548
alexandrins) de Jean Racine. Deuxième tragédie du poète, elle fut créée le 4
décembre 1665 au théâtre du Palais-Royal à Paris.
Elle a pour sujet les amours d'Alexandre et de
Cléofile, ainsi que la rivalité entre Porus et Taxile pour l'amour d'Axiane.
Racine, dans un souci de réalisme historique, a principalement fondé son
intrigue sur des éléments décrits dans le huitième livre de Quinte-Curce.
Au travers du personnage d'Alexandre auquel
Louis XIV aimait être comparé, c'est le Roi-Soleil lui-même qui est célébré.
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